Edoardo Tresoldi, quando l’arte esce dal museo e dialoga con la città: “Così l’opera parla davvero a tutti”

Una "selva" di 16 colonne in rete metallica alte 6 metri che con un gioco di luci e trasparenze dialogano con l'architettura circostante: è Selva di Edoardo Tresoldi, visibile fino a gennaio 2027 in in piazza Mignanelli, a Roma. L'opera trova posto davanti alla Fondazione Valentino Garavani e Giancarlo Giammetti. Quest'ultimo l'ha commissionata all'artista dandogli piena libertà creativa e riflette pienamente la visione della Fondazione sul mecenatismo: sostenere opere esistenti, ma anche creare le condizioni affinché qualcosa di nuovo possa nascere. La colonna di Tresoldi si inserisce nello spazio senza snaturarlo: offre una percezione diversa, arricchita, amplificata. A Fanpage.it ha spiegato come si è svolto il processo creativo e cosa significa esporre un'opera in città piuttosto che dentro le mura di un museo.

Edoardo come sei entrato nel mondo dell'arte, quali sono i tuoi inizi?

Ho lavorato 7 anni nel settore della scenografia cinematografica: quella è stata un po' la mia Università. Ho lavorato con delle maestranze molto capaci, molto importanti: mi hanno insegnato sia il lavoro di squadra che il lavorare con le costruzioni. Mi sono formato col cinema e i laboratori di scenografia. Ho cominciato col lavoro artigianale e così sono andato avanti. A Bari sto lavorando da 6 anni a un progetto nel sito archeologico di San Pietro. Forse inaugureremo in primavera. Sto lavorando alla ricostruzione di una serie di architetture che hanno caratterizzato quell'area nel corso dell'ultimo millennio, così da raccontare un luogo così importante per la città. È forse il progetto più complesso e più grande che abbia fatto nel mio percorso e sono molto felice di averla fatta. Mi piace molto quando a un certo punto mi arrivano delle storie incredibili addosso. Mi piace entrare dentro quelle storie, capirle.

Come mai questa predilezione per la rete metallica, che usi sin dai tuoi inizi e che torna anche in Selva?

Fin dall'inizio ho sempre lavorato con l'arte pubblica e con il paesaggio. Sin dai primi lavori immaginavo soprattutto dei soggetti che fossero capaci di dialogare molto con il contesto in cui venivano inseriti. Per questo ho scelto la rete metallica: perché dona trasparenza.

Che indicazioni hai ricevuto dalla Fondazione quando ti ha affidato Piazza Mignanelli?

La loro indicazione di base è stata quella di immaginare un'opera che fosse attraversabile, che fosse permeabile. Avevano in mente qualcosa di temporaneo nella piazza, ma che fosse anche capace di intercettare gente, di favorire incontri tra le persone. Io arrivo da un know-how di arte pubblica, per cui mi hanno lasciato abbastanza libertà nello scegliere che cosa realizzare. Poi di base io lavoro sempre con soggetti che richiamano un po' l'architettura classica, gli archetipi architettonici. Quindi per piazza Mignanelli ho immaginato questa foresta di colonne per giocare con la dimensione ancestrale del bosco sacro.

Che dialogo si instaura tra l'opera e lo spazio circostante? 

Le colonne fanno parte della genetica della città, sono una sorta di elemento costante nella grammatica di una città come Roma. Gli elementi architettonici sono come dei soggetti che attraversano il tempo: vengono riletti e rivisitati col passare dei secoli. La colonna è uno di questi: fonda le sue radici nell'Europa più arcaica, più ancestrale. Riprenderla non vuol dire solo riprendere un'estetica, rispetto all'architettura romana, ma significa proprio continuare questa tradizione del ripetere un soggetto che esiste da tantissimo tempo.

Le colonne richiamano l'architettura classica, ma anche gli alberi: da una parte l'uomo e dall'altra la natura. Come hai lavorato su questo doppio significato?

L'accostamento tra le colonne e i tronchi degli alberi, per quanto possa sembrare semplice e banale, in realtà fa proprio parte dell'origine ancestrale di quel soggetto. Quando parliamo di colonne, parliamo di soggetti che nascono per trovare posto originariamente in luoghi sacri, nei templi classici. Poi hanno attraversato il tempo diventando anche altro, acquisendo altri significati.

Che differenza c'è tra un'installazione pensata per il museo e una pensata per la città?

La differenza tra il museo e l'arte pubblica è che di base nel museo le persone scelgono di entrare. In un'opera pensata per lo spazio pubblico, invece, ci si confronta con persone che  non hanno scelto di incontrarla. Però nello spazio esterno vive molto di più le dinamiche collettive della città: è uno spazio di tutti, per tutti, per cui l'opera è per forza rivolta a un pubblico più ampio. Io ho sempre preferito l'arte pubblica. Quando realizzo qualcosa, preferisco farla per lavorare con la città direttamente, piuttosto che chiudermi in una nicchia.

Che rapporto ha l'opera col tempo, essendo temporanea e quindi destinata a scomparire dal luogo che la ospita? 

Ci sono monumenti che esistono da un sacco di tempo, fermi lì e quindi la città si evolve attorno a quelli. Poi ce ne sono altri temporanei, che rimangono per un arco di tempo limitato, magari segnano comunque la memoria di quel luogo, prima che torni a essere vuoto. Qualcosa rimane, qualcosa viene tolta ed è bello così: è bello poter dare a degli spazi della città la possibilità di cambiare volto. Io sono molto affezionato alle opere temporanee, ben venga che durino un tempo limitato. La città ha bisogno di esprimersi continuamente, altrimenti ci ritroviamo sempre a conservare le cose che abbiamo già. Non è questione né di estetica né di moda: è questione di espressione, di confronto con lo spazio pubblico, con le nostre tradizioni in qualche modo.